PLAY(THE)GROUND:
Lugares de Impermanência
Residência de Verão/Estúdios em Talude e Quinta da Fonte.
— duração do projeto
Julho 2023 - Setembro 2023
— equipa curadoria
Lígia Fernandes
Karina Zelonk
Nicole Sánchez
Ricarda Oldekop
— pessoas de contacto
Lígia Fernandes
Ricarda Oldekop
— organização parceira
AMRT - Associação para a Mudança e Representação Transcultural
— apoio
NOVA-School of Business and Economics
Julho 2023 - Setembro 2023
— equipa curadoria
Lígia Fernandes
Karina Zelonk
Nicole Sánchez
Ricarda Oldekop
— pessoas de contacto
Lígia Fernandes
Ricarda Oldekop
— organização parceira
AMRT - Associação para a Mudança e Representação Transcultural
— apoio
NOVA-School of Business and Economics
No cimo do monte já não há Zimbram
Já secou
(...)
Para ir a Lisboa vendeu sua terra
Pela metade do preço
Lá trabalhando na chuva, no vento
No frio
Na CUF, Lisnave ou J. Pimenta
Explorado
Mão de obra barata por mais que trabalhe
Não passa de servente
Mão de obra barata, barraco sem luz
Comer às pressas
Ainda mais enganado pelo irmão branco
Explorado
Mas no dia que voltar à terra
Muitas cores de malagueta
Hão de me dar água
E força nos braços
Consciência de que trabalhei
O poder de minha terra está em mim
Com zimbram no monte
Meus filhos pelo chão
Meu barco no porto
Nossa terra, ai nossa terra”
Já secou
(...)
Para ir a Lisboa vendeu sua terra
Pela metade do preço
Lá trabalhando na chuva, no vento
No frio
Na CUF, Lisnave ou J. Pimenta
Explorado
Mão de obra barata por mais que trabalhe
Não passa de servente
Mão de obra barata, barraco sem luz
Comer às pressas
Ainda mais enganado pelo irmão branco
Explorado
Mas no dia que voltar à terra
Muitas cores de malagueta
Hão de me dar água
E força nos braços
Consciência de que trabalhei
O poder de minha terra está em mim
Com zimbram no monte
Meus filhos pelo chão
Meu barco no porto
Nossa terra, ai nossa terra”
“Altu Kutelu”/”Cimo do Monte” Renato Cardoso
Que forças nos levam a afastarmo-nos da nossa terra? Até que ponto podemos fazer alguma coisa contra elas? Partir é um ato de coragem? O que é que aprendemos pelo caminho, o que é que criamos e o que é que trazemos connosco? Até onde vai esta viagem? A que terra chamamos nossa? Onde é casa para onde regressar? Quando é que a impermanência se torna permanência?
Este verão, convidamos artistas, curadores, colectivos e investigadores a passarem algum tempo em lugares de impermanência. Estes lugares contam histórias: alguns foram criados por aqueles que chegaram, como espelhos da terra de partida, outros são impostos, moldados pelo progresso urbano, forçando transições ao longo do caminho. Alguns acolhem pessoas de uma única origem, outros agregam pessoas de muitas. Funcionam como lugares de reflexão sobre as nossas próprias histórias, sobre o que sentimos no corpo, o cansaço, a saudade e a esperança. Para as gerações vindouras, são também lugares de re-imaginação, para os quais somos convidados a entrar.
O colectivo Mais uno+1 convida-te a candidatares-te a duas residências este verão. O programa destina-se a pessoas que procuram espaço, tempo concentrado e conversas estimulantes que possam ajudar a lançar ou a desenvolver um projeto que se envolva em dois locais diferentes nos arredores de Lisboa. Os candidatos podem decidir trabalhar num ou em dois locais:
Este verão, convidamos artistas, curadores, colectivos e investigadores a passarem algum tempo em lugares de impermanência. Estes lugares contam histórias: alguns foram criados por aqueles que chegaram, como espelhos da terra de partida, outros são impostos, moldados pelo progresso urbano, forçando transições ao longo do caminho. Alguns acolhem pessoas de uma única origem, outros agregam pessoas de muitas. Funcionam como lugares de reflexão sobre as nossas próprias histórias, sobre o que sentimos no corpo, o cansaço, a saudade e a esperança. Para as gerações vindouras, são também lugares de re-imaginação, para os quais somos convidados a entrar.
O colectivo Mais uno+1 convida-te a candidatares-te a duas residências este verão. O programa destina-se a pessoas que procuram espaço, tempo concentrado e conversas estimulantes que possam ajudar a lançar ou a desenvolver um projeto que se envolva em dois locais diferentes nos arredores de Lisboa. Os candidatos podem decidir trabalhar num ou em dois locais:
- Local um: Quinta da Fonte - É um bairro social que agrega pessoas que foram deslocadas de outros bairros da cidade, de diferentes origens, como portugueses, comunidades ciganas e várias populações africanas e afro-descendentes.
Fotografia: Nicole Sánchez
- Local dois: Bairro do Talude - É um bairro de construção própria, maioritariamente composto por famílias originárias de Cabo Verde. Tem muito pouco comércio, um restaurante, um bar, uma "destilaria" e muitas hortas criadas pelos habitantes. Trata-se de um território impermanente, que está planeado para ser demolido no futuro para fins de reordenamento urbano.
Fotografia: Nicole Sánchez
— artistas residentes
Alberto Maria Gatti (IT)
Alberto Maria Gatti (1992) é compositor, designer de som e designer de música computorizada. Frequentou cursos de música eletrónica no Conservatório de Florença e o Master AReMus no Conservatório de Roma sobre a prática da investigação artística em música. Posteriormente, frequentou workshops e seminários de composição e direção de som. Como compositor, participou em vários festivais e eventos de música contemporânea, incluindo: Ircam, Tempo Reale, Museo del Novecento, Fabbrica Europa, Inner Spaces, Palazzo Vecchio, Salone del Mobile di Milano, SIMC, Festival Pontino, Instituto Italiano de Cultura em Bruxelas, Teatro del Giglio, Teatro Cantiere Florida, Spam/Aldes, Museo Pecci, Festival Chaufuonna e outros.
Alberto Maria Gatti (1992) é compositor, designer de som e designer de música computorizada. Frequentou cursos de música eletrónica no Conservatório de Florença e o Master AReMus no Conservatório de Roma sobre a prática da investigação artística em música. Posteriormente, frequentou workshops e seminários de composição e direção de som. Como compositor, participou em vários festivais e eventos de música contemporânea, incluindo: Ircam, Tempo Reale, Museo del Novecento, Fabbrica Europa, Inner Spaces, Palazzo Vecchio, Salone del Mobile di Milano, SIMC, Festival Pontino, Instituto Italiano de Cultura em Bruxelas, Teatro del Giglio, Teatro Cantiere Florida, Spam/Aldes, Museo Pecci, Festival Chaufuonna e outros.
Elena Aya Bundurakis (GR/JPN)
Elena Aya Bundurakis é uma fotógrafa greco-japonesa nascida na ilha de Creta. Utiliza a sua câmara como um dispositivo tátil e não como uma ferramenta tecnológica. O seu trabalho centra-se na sensação de ser um organismo vivo nesta era que se situa entre o primitivo, o moderno e o pós-mundo natural. Utiliza-se a si própria como um espécime da experiência humana. As imagens colidem e dividem-se consoante a situação. Desenhos, vídeo e haikus são incorporados. Bundurakis trabalha atualmente entre Creta e Corfu, onde co-fundou REON (um espaço para o barro). Licenciou-se summa cum laude na Academia Real de Belas Artes de Antuérpia, com um mestrado em Artes Visuais e Fotografia, e tem um bacharelato em Tecnologia de Artes Gráficas do Instituto de Educação Tecnológica de Atenas. O seu trabalho foi nomeado para vários prémios de fotografia de prestígio e foi exposto em vários locais, como a galeria Metronom (IT), Fotomuseum Antwerp (BE), Marres Maastricht (NL), Fotomuseum Winterthur (CH), Noorderlicht Festival (NL), Athens Photo Festival (GR), etc.
Elena Aya Bundurakis é uma fotógrafa greco-japonesa nascida na ilha de Creta. Utiliza a sua câmara como um dispositivo tátil e não como uma ferramenta tecnológica. O seu trabalho centra-se na sensação de ser um organismo vivo nesta era que se situa entre o primitivo, o moderno e o pós-mundo natural. Utiliza-se a si própria como um espécime da experiência humana. As imagens colidem e dividem-se consoante a situação. Desenhos, vídeo e haikus são incorporados. Bundurakis trabalha atualmente entre Creta e Corfu, onde co-fundou REON (um espaço para o barro). Licenciou-se summa cum laude na Academia Real de Belas Artes de Antuérpia, com um mestrado em Artes Visuais e Fotografia, e tem um bacharelato em Tecnologia de Artes Gráficas do Instituto de Educação Tecnológica de Atenas. O seu trabalho foi nomeado para vários prémios de fotografia de prestígio e foi exposto em vários locais, como a galeria Metronom (IT), Fotomuseum Antwerp (BE), Marres Maastricht (NL), Fotomuseum Winterthur (CH), Noorderlicht Festival (NL), Athens Photo Festival (GR), etc.
Emma Gonsales Moro (RU)
O meu nome é Emma Gonsales Moro, tenho 22 anos e sou de Moscovo. Licenciei-me na Faculdade de Cinema de Moscovo, na Faculdade de Arte e Animação. Mudei-me para Lisboa e comecei a minha vida do zero pouco depois do início da guerra. Há vários temas que me despertam mais interesse do que outros quando se trata de desenhar. Pequenos pormenores significam o mundo para mim, posso começar a desenhar a paisagem de uma cidade inteira apenas por causa de uma pequena mas muito atraente lanterna no fundo. Janelas, espelhos, ecrãs, buracos, reflexos, tudo o que possa parecer um portal para algum lugar dentro do desenho atrai-me. Variedade de texturas e formas. Rostos focados, posições corporais estranhas, mãos. Normalmente desenho a partir da vida, mas não tenho o objetivo de repetir a realidade tal como ela é, acaba sempre por ser mais colorida e simples, mas gosto disso. Eu diria que o estilo mais próximo da minha arte é o primitivismo. É uma idealização estética e uma simplificação da realidade. De facto, por vezes, as pessoas dizem-me que as minhas obras parecem um pouco infantis, mas eu aceito isso como um elogio, porque, em parte, é essa a minha intenção: recordar e exprimir como o mundo era para mim quando eu era apenas uma criança, sem conhecimentos sobre perspetiva, regras de composição e todas essas leis do universo, quando a minha perceção era pura. Claro que isso não significa que não utilize estes conhecimentos nos meus desenhos, estou a tentar unir as minhas capacidades de desenho e esta forma infantil de ver o mundo e fazer algo de belo com isso.
O meu nome é Emma Gonsales Moro, tenho 22 anos e sou de Moscovo. Licenciei-me na Faculdade de Cinema de Moscovo, na Faculdade de Arte e Animação. Mudei-me para Lisboa e comecei a minha vida do zero pouco depois do início da guerra. Há vários temas que me despertam mais interesse do que outros quando se trata de desenhar. Pequenos pormenores significam o mundo para mim, posso começar a desenhar a paisagem de uma cidade inteira apenas por causa de uma pequena mas muito atraente lanterna no fundo. Janelas, espelhos, ecrãs, buracos, reflexos, tudo o que possa parecer um portal para algum lugar dentro do desenho atrai-me. Variedade de texturas e formas. Rostos focados, posições corporais estranhas, mãos. Normalmente desenho a partir da vida, mas não tenho o objetivo de repetir a realidade tal como ela é, acaba sempre por ser mais colorida e simples, mas gosto disso. Eu diria que o estilo mais próximo da minha arte é o primitivismo. É uma idealização estética e uma simplificação da realidade. De facto, por vezes, as pessoas dizem-me que as minhas obras parecem um pouco infantis, mas eu aceito isso como um elogio, porque, em parte, é essa a minha intenção: recordar e exprimir como o mundo era para mim quando eu era apenas uma criança, sem conhecimentos sobre perspetiva, regras de composição e todas essas leis do universo, quando a minha perceção era pura. Claro que isso não significa que não utilize estes conhecimentos nos meus desenhos, estou a tentar unir as minhas capacidades de desenho e esta forma infantil de ver o mundo e fazer algo de belo com isso.
Lorenzo Ballerini (IT)
Compositor, artista sonoro e dos novos meios de comunicação social, principalmente centrado na eletrónica ao vivo e em instalações multimédia. Nasceu em Florença em 1990. Licenciou-se em Música e Novas Tecnologias no Conservatório Luigi Cherubini de Florença e fez um mestrado de segundo nível AReMus (Artistich Research in Music) no Conservatório Santa Cecilia de Roma. A sua estética centra-se na exploração do significado político e social do ser humano em relação à obra de arte e à sociedade atual. Participou como compositor e intérprete em festivais como a Bienal de Berlim, Bright Festival, Diffrazioni Festival, Fabbrica Europa, MEFF, SMC2018, SMC2019, Tempo Reale Festival. Colaborou com artistas como Alvise Vidolin, Christine Meisner, Michele Marasco, Nicola Sani, Paolo Parisi, Roberto Fabbriciani, Tiziano Manca.
Compositor, artista sonoro e dos novos meios de comunicação social, principalmente centrado na eletrónica ao vivo e em instalações multimédia. Nasceu em Florença em 1990. Licenciou-se em Música e Novas Tecnologias no Conservatório Luigi Cherubini de Florença e fez um mestrado de segundo nível AReMus (Artistich Research in Music) no Conservatório Santa Cecilia de Roma. A sua estética centra-se na exploração do significado político e social do ser humano em relação à obra de arte e à sociedade atual. Participou como compositor e intérprete em festivais como a Bienal de Berlim, Bright Festival, Diffrazioni Festival, Fabbrica Europa, MEFF, SMC2018, SMC2019, Tempo Reale Festival. Colaborou com artistas como Alvise Vidolin, Christine Meisner, Michele Marasco, Nicola Sani, Paolo Parisi, Roberto Fabbriciani, Tiziano Manca.
Marianne Delaforge (FR)
Sou uma artista visual autodidata e autora de banda desenhada. Estudei jornalismo cultural na Bélgica e aproximei-me às belas-artes quando fiz um curso em Budapeste em 2014, apesar de não ter continuado por esse caminho depois. Foi apenas em 2019 que regressei ao desenho, inspirada sobretudo pela natureza e pela animalidade que se interliga com a humanidade. Desde então, participei em várias exposições colectivas, como 12x12 e "Pequenos formatos" e em vários concursos de BD como as 24 horas de BD em Lisboa ou os concursos anuais das edições de Odemira ou Kus. Comecei também a ser musicalmente ativa em 2018 quando integrei o coro feminino Fio á meada, um projeto que continua a atuar em Lisboa e noutros pontos do país até hoje. Co-fundei o Lisbon Drawing Club em 2021 e participei no desenvolvimento das sessões no Queer Art Lab, que promovem o corpo trans e não binário na arte. Gosto de colectivos e grupos na arte e da forma como alimentam a minha própria prática, graças a todos esses projectos, a arte tornou-se uma aventura muito social para mim.
Sou uma artista visual autodidata e autora de banda desenhada. Estudei jornalismo cultural na Bélgica e aproximei-me às belas-artes quando fiz um curso em Budapeste em 2014, apesar de não ter continuado por esse caminho depois. Foi apenas em 2019 que regressei ao desenho, inspirada sobretudo pela natureza e pela animalidade que se interliga com a humanidade. Desde então, participei em várias exposições colectivas, como 12x12 e "Pequenos formatos" e em vários concursos de BD como as 24 horas de BD em Lisboa ou os concursos anuais das edições de Odemira ou Kus. Comecei também a ser musicalmente ativa em 2018 quando integrei o coro feminino Fio á meada, um projeto que continua a atuar em Lisboa e noutros pontos do país até hoje. Co-fundei o Lisbon Drawing Club em 2021 e participei no desenvolvimento das sessões no Queer Art Lab, que promovem o corpo trans e não binário na arte. Gosto de colectivos e grupos na arte e da forma como alimentam a minha própria prática, graças a todos esses projectos, a arte tornou-se uma aventura muito social para mim.
Marie Jiménez (DOM)
Marie trabalha com o seu contexto imediato. O seu trabalho é definido pela intersecção da pintura, do cinema, do som e da instalação. Neste contexto interdisciplinar, e com o interesse de iniciar um diálogo que incite à mudança social, trabalham com temas relacionados com a identidade e a sua perceção fora da norma. É desta forma, partilhando a sua experiência pessoal, que o íntimo se torna uma ferramenta para o político. Marie está atualmente inscrita no programa de pós-graduação em desenvolvimento cinematográfico na ESTC em Lisboa. Participaram em inúmeras exposições colectivas de arte em Nova Iorque, onde obtiveram o seu bacharelato na Parsons The New School. Participaram também em exposições colectivas em museus e outras instituições culturais no seu país de origem, a República Dominicana, e noutras instituições na América e na Europa.
Marie trabalha com o seu contexto imediato. O seu trabalho é definido pela intersecção da pintura, do cinema, do som e da instalação. Neste contexto interdisciplinar, e com o interesse de iniciar um diálogo que incite à mudança social, trabalham com temas relacionados com a identidade e a sua perceção fora da norma. É desta forma, partilhando a sua experiência pessoal, que o íntimo se torna uma ferramenta para o político. Marie está atualmente inscrita no programa de pós-graduação em desenvolvimento cinematográfico na ESTC em Lisboa. Participaram em inúmeras exposições colectivas de arte em Nova Iorque, onde obtiveram o seu bacharelato na Parsons The New School. Participaram também em exposições colectivas em museus e outras instituições culturais no seu país de origem, a República Dominicana, e noutras instituições na América e na Europa.
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Muro Atelier (PT): Joana Tomas / Vincent Rault
Coletivo criado por arquitectos, o Muro Atelier procura desafiar o conceito de efemeridade através de uma prática participativa centralizada na reutilização de materiais e na revitalização de espaços públicos ou desocupados. Através da sua pesquisa e instalações, esta iniciativa pretende remodelar a nossa perceção das dinâmicas da cidade, avançando para um sistema mais circular e sustentável, ao mesmo tempo que capacita os participantes urbanos a compreender e aproveitar os potenciais recursos disponíveis. O termo "Muro" resume a essência fundamental da arquitetura, explorando noções de materialidade, limite e escala. O muro encarna inúmeras metáforas no imaginário coletivo: uma barreira intransponível, mas também uma porta para a liberdade. Enraizadas no seu contexto físico, cultural e histórico, as instalações concebidas pelo coletivo narram e desvendam os espaços que habitam, colocando os visitantes no centro das suas experiências.
Coletivo criado por arquitectos, o Muro Atelier procura desafiar o conceito de efemeridade através de uma prática participativa centralizada na reutilização de materiais e na revitalização de espaços públicos ou desocupados. Através da sua pesquisa e instalações, esta iniciativa pretende remodelar a nossa perceção das dinâmicas da cidade, avançando para um sistema mais circular e sustentável, ao mesmo tempo que capacita os participantes urbanos a compreender e aproveitar os potenciais recursos disponíveis. O termo "Muro" resume a essência fundamental da arquitetura, explorando noções de materialidade, limite e escala. O muro encarna inúmeras metáforas no imaginário coletivo: uma barreira intransponível, mas também uma porta para a liberdade. Enraizadas no seu contexto físico, cultural e histórico, as instalações concebidas pelo coletivo narram e desvendam os espaços que habitam, colocando os visitantes no centro das suas experiências.
Rita Leitão (PT)
Rita Leitão nasceu em Lisboa em 1998. Licenciou-se na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa em Pintura marcando o seu percurso por Bilbau. Desde então, participou em várias exposições colectivas, destacando-se "Elogio da Matéria", SNBA Lisboa (janeiro 2019); "Jantar de Família", Museu da Cerâmica, Sacavém (novembro 2020) e "Coletivo Casa Rosário", Cascais (maio 2021). Em agosto de 2021, inaugurou a sua primeira exposição individual, "Bem-Vindo a Casa", no CAT, em Tavira, e em outubro de 2021 foi artista residente no Museu Bordalo Pinheiro. Atualmente, Rita está a estabelecer a sua prática no atelier coletivo Beliche, em Xabregas. Formadora, entusiasta do mercado, ilustradora, performer e artista plástica, Rita desenvolve a sua prática numa relação profunda entre a Arte e a Vida.
Rita Leitão nasceu em Lisboa em 1998. Licenciou-se na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa em Pintura marcando o seu percurso por Bilbau. Desde então, participou em várias exposições colectivas, destacando-se "Elogio da Matéria", SNBA Lisboa (janeiro 2019); "Jantar de Família", Museu da Cerâmica, Sacavém (novembro 2020) e "Coletivo Casa Rosário", Cascais (maio 2021). Em agosto de 2021, inaugurou a sua primeira exposição individual, "Bem-Vindo a Casa", no CAT, em Tavira, e em outubro de 2021 foi artista residente no Museu Bordalo Pinheiro. Atualmente, Rita está a estabelecer a sua prática no atelier coletivo Beliche, em Xabregas. Formadora, entusiasta do mercado, ilustradora, performer e artista plástica, Rita desenvolve a sua prática numa relação profunda entre a Arte e a Vida.
Zala Pori (SI)
Zala Pori é uma artista visual da Eslovénia, a viver em Cascais, Lisboa. Depois de terminar a sua licenciatura na Academia de Belas Artes e Design de Ljubljana no departamento de pintura, decidiu dar um salto para o estrangeiro com o mesmo departamento no seu mestrado. Em 2016/17 passou 2 semestres na Faculdade de Belas Artes do Porto, Portugal. Após a conclusão do curso no seu país, decidiu fazer uma pausa nas artes e embarcou na recolha de diferentes experiências de vida, desempenhando diferentes papéis profissionais. Em 2021, regressou a Portugal, e o desejo de voltar ao campo das artes reacendeu-se. Na sua busca pela liberdade de expressão, explora o jogo entre elementos figurativos e não-representativos ao longo do processo criativo. Os contrastes, a procura do equilíbrio entre as cores complementares, o claro e o escuro, o orgânico e o geométrico, também são tidos em conta durante o processo. A abstração da linguagem artística cria imagens que abrem a porta à imaginação e à fantasia.
Zala Pori é uma artista visual da Eslovénia, a viver em Cascais, Lisboa. Depois de terminar a sua licenciatura na Academia de Belas Artes e Design de Ljubljana no departamento de pintura, decidiu dar um salto para o estrangeiro com o mesmo departamento no seu mestrado. Em 2016/17 passou 2 semestres na Faculdade de Belas Artes do Porto, Portugal. Após a conclusão do curso no seu país, decidiu fazer uma pausa nas artes e embarcou na recolha de diferentes experiências de vida, desempenhando diferentes papéis profissionais. Em 2021, regressou a Portugal, e o desejo de voltar ao campo das artes reacendeu-se. Na sua busca pela liberdade de expressão, explora o jogo entre elementos figurativos e não-representativos ao longo do processo criativo. Os contrastes, a procura do equilíbrio entre as cores complementares, o claro e o escuro, o orgânico e o geométrico, também são tidos em conta durante o processo. A abstração da linguagem artística cria imagens que abrem a porta à imaginação e à fantasia.