PT — mais uno +1

SYNOPSIS

Este verão, o coletivo Mais Uno +1 convidou um grupo de artistas, criativos e investigadores a passar algum tempo em lugares de (im)permanência. Estes lugares contam histórias: uns foram criados por quem chegou, como espelhos da terra de partida, outros foram impostos, moldados pelo progresso urbano, obrigando a transições pelo caminho. Alguns acolhem pessoas de uma só origem, outros agregam pessoas de muitas origens. Funcionam como lugares de reflexão sobre as nossas próprias histórias, sobre o que sentimos no corpo, o cansaço, a saudade e a esperança. Para as gerações vindouras, são também lugares de re-imaginação, para os quais estão convidados a entrar.

Lugar um: QUINTA DA FONTE - Bairro social construído para realojar as pessoas que viviam na zona que veio a ser a EXPO '98 / Parque das Nações, bem como noutras zonas da cidade que necessitavam de ser realojadas (Portela, Prior Velho, Quinta da Serra)... Assim, encontramos, no mesmo local, pessoas de diferentes origens, como portugueses, portugueses ciganos, e várias populações africanas e afro-descendentes.

Lugar dois: TALUDE - Bairro informal, autoconstruído, construído pelos imigrantes africanos num terreno privado, maioritariamente composto por famílias cabo-verdianas e descendentes. Tem muito poucos estabelecimentos comerciais, um restaurante, um bar, uma "destilaria", e muitas quintas criadas pelos habitantes. Trata-se de um território impermanente, em risco contínuo de demolição para reordenamento urbano. Localizado a poucos minutos do Parque das nações, a sua encosta, com vista para o desenvolvimento urbano da cidade, contrasta com a sua informalidade e ligação à natureza.

O programa destinava-se a pessoas que procuravam espaço, tempo focado e conversas estimulantes que pudessem fomentar a colaboração com as comunidades locais e inspirar o desenvolvimento de projectos inovadores e ascendentes. Esta primeira edição (piloto) da residência PLAY(THE)GROUND decorreu entre julho e setembro de 2023, e contou com a participação de 10 residentes de áreas como a arte sonora, pintura, ilustração, arquitetura, cinema e escultura. Com o apoio da NOVA-SBE, apresentamos agora os resultados da residência, criando novas ligações entre a universidade, as diferentes comunidades envolvidas e o público.

Podcast em conversa

In episode 5 we are talking with Diana Ferro about her artistic residency in the territory of Trafaria and 2.º Torrão. When she would describe the topic of the residency in two words it would be Confianca e Medo - trust and fear in the city. We talk about feeling comfortable and finding the boundaries between artistic practices and life, about movement and finding places of exchange.

In episode 4 we are talking with Sarah, an artist and photographer based in Lisbon. She was the first artist coming to the neighborhood of Trafaria but more precisely in Cova de Vapor and Segundo Torrao. We will hear about her special method to connect to the local residents through her dog Fred and all the fun she had building sand castles and creating water sculptures with the kids of the neighbourhood.

In this episode we are talking with Alexandra, an artist with a background in UX design, about her experiences in the neighborhood of Talude. We talk about identity and ownership, about preserving cultural heritage in a digital format and the challenges as well as the beauty of working with children. We had the interview with her right before she went back to the Netherlands, and it was a reflection of her time in the neighborhood and a starting point of processing her research for a digital archive for Talude.

We are talking with Michele who was resident in Zambujal (Alfragide) about the political realm of infrastructure, how architecture imposes itself on its inhabitants and how it can be re-appropriated. He spent 3 weeks living and working in the neighborhood, connected to the inhabitants and explored the space through photography, maps and conversations.

In this episode you can listen to his experience in Zambujal and how he perceived the neighborhood through the lens of an architect and photographer.

Riikka was the first resident of this year in Quinta da Fonte, where her project aimed to empower the children and youth of the community to discover their inner artists—often without even realising it. She initiated a storytelling project, introducing storytelling as a powerful medium for self-expression. These stories served as a foundation, evolving into diverse forms of artistic creation.

Na última sessão da primeira série EM CONVERSA estivemos à conversa com o coletivo Left Hand Rotation. “Uma viragem no sentido oposto que pode acontecer a qualquer momento, um parafuso que tem de ser apertado exatamente ao contrário do que se espera”. e conversou com elementos do coletivo sobre a sua prática, o uso do espaço público e a relação entre arte e ativismo. "Um giro na direção contrária que pode produzir em qualquer momento, um torniquete que há que apretar exatamente ao contrário do esperado."

> EM INGLÊS <

Nicole Sánchez e Ricarda Oldekop do mais uno +1 puderam conversar com Emanuele Braga e Marco Baravalle do Instituto de Imaginação Radical sobre o seu trabalho. O Instituto da Imaginação Radical é uma rede de curadores, activistas, académicos e produtores culturais com um interesse comum em co-produzir investigação, conhecimento, investigação-intervenção artística e política, visando a implementação de formas de vida pós-capitalistas. Em 2022, publicaram o livro 'Art for UBI (manifesto)', no qual reivindicam a importância do Rendimento Básico Universal como medida não só para contrariar as estruturas exploradoras e discriminatórias no sistema artístico, mas também para abrir novas perspectivas subjectivas. ao individualismo empresarial dominante. No dia 29 de junho de 2023, Emanuele Braga e Marco Baravalle foram convidados a apresentar o manifesto em formato de conferência no Teatro do Bairro Alto, em Lisboa. Depois de participarmos na conferência, tivemos a oportunidade de falar com eles mais detalhadamente sobre as visões do seu activismo. Questões que nos preocuparam: Como organizam o trabalho na vossa rede? Qual o objetivo da publicação ‘Art for UBI (manifesto)’? Onde reside o potencial da resistência (artística) activista contra as lógicas capitalistas neoliberais e como pode a ocupação do espaço ajudar as lutas activistas? Sobre os entrevistados: Emanuele Braga é teórico, ativista e artista em Milão. A sua investigação centra-se em modelos de produção cultural, processos de transformação social, economia política, direitos laborais e instituição dos bens comuns. Marco Baravalle é investigador e curador radicado em Veneza. Os seus campos de investigação incluem a relação entre arte, teatro e activismo, trabalho criativo, gentrificação e o posicionamento da arte na economia neoliberal. Ambos são membros fundadores da rede e coeditores da publicação ‘Art for UBI (manifesto)’ (2022).

Temas em discussão: comunhão baseada na arte, arte e ativismo, projetos colaborativos, coletivos de arte, espaços ocupados

> EM INGLÊS <

Em junho voltamos com uma nova sessão EM CONVERSA! Decidimos fazer uma experiência, aproveitando a visita de Janila Castañeda a Lisboa vinda do México, onde passearemos pela cidade durante 4 dias gravando pequenas cápsulas de conversa misturadas com os sons do local para falar de geografia, espaço, movimento, mapas, paisagem e tudo o que acontece entre eles. Janila é escritora e editora independente radicada no México. Desde 2019 que realiza investigação focada na consciência espacial através do som e da arte. É fundadora e editora do, uma iniciativa editorial focada em novas formas de pensar e escrever sobre escultura. Desfrutar!

> EM INGLÊS <

Comemorando o EM CONVERSA #10, publicamos um Episódio Bónus: Mesa Redonda sobre Práticas Curatoriais em Portugal. Este episódio consiste numa gravação de uma mesa redonda conduzida pelos membros do mais uno +1: Alexia Alexandropoulou, Ligia Fernandes, Inês Nêves e Nicole Sánchez. Em dezembro, a Artpool convidou nosso coletivo para liderar uma mesa redonda como parte do seu Xmas Art Market. O evento de 10 dias incluiu a exposição e venda de edições de arte digital acessíveis num espaço não-white-cube, acompanhado por uma programação pública incluindo palestras, workshops e uma mesa redonda - mediada por nós! Começámos com uma discussão aberta sobre os problemas actuais das práticas curatoriais em Portugal, terminando com alguns exercícios sobre a escrita colectiva de textos curatoriais.

Tópicos em discussão: práticas curatoriais em Portugal, coletividade, NFT’s.

> EM INGLÊS <

No EM CONVERSA #9, Inês Nêves (mais uno +1) e Dorottya Ács (mais uno +1) convidaram Jaime Lobato (MX) para uma discussão sobre práticas transdisciplinares com foco em Arte & Ciência. Aprendemos mais sobre o percurso de Jaime nas áreas da Música, Performance, Artes Plásticas e Bio-tecnologia, assim como o papel que a pedagogia, a participação do público e os “creative commons” assumem na sua prática.

Tópicos em discussão: bio-arte, arte e ciência, pedagogia, “creative commons”, transdisciplinaridade, participação do público, comunicação entre espécies

> EM INGLÊS <

Bem-vindos ao EM CONVERSA #8 com Alexia Alexandropoulou (mais uno +1), Elham Khattab (EG) e Salma Kossemtini (TN). Neste episódio, Alexia Alexandropoulou convidou Elham Khattab do Cairo e Salma Kossemtini da Tunísia para discutir práticas curatoriais no Norte de África. Juntos falaram sobre as condições do cenário da arte contemporânea no Egito e na Tunísia e os desafios que os artistas e curadores desta região enfrentam nos dias hoje.

Tópicos em discussão: práticas curatoriais no Norte de África.

> EM INGLÊS <

No nosso mais recente EM CONVERSA #7, Dorottya Ács (mais uno +1) convidou Sofia Pancada (PT) que integra a equipa de comunicação do Space Festival. Sofia é uma jovem profissional que trabalha na área da comunicação no setor cultural/indústrias criativas. Integrando os processos de produção do Space Festival e do Space Ensemble, esta conversa explora a sua perspetiva desde a gestão de eventos e estratégias de comunicação até à missão da música contemporânea e experimental e a sua ligação aos territórios.

Tópicos em discussão: música experimental e improvisada, descentralização da cultura, práticas situadas, organização de eventos.

> EM INGLÊS <

Na CONVERSA #6, Nicole Sánchez (mais uno +1) convidou Gabriella Riccio, artista multidisciplinar, investigadora e ativista radicada em Nápoles e Madrid. Está envolvida em práticas prefigurativas, como o movimento pelos bens comuns e teatros e espaços culturais autogovernados. A sua participação em projetos coletivos está muito presente ao longo da sua carreira, incluindo o Instituto da Imaginação Radical, L’Asilo, Ex Asilo Filangieri, Napoli. Gabriella é coeditora da publicação “Art for UBI (manifesto): o mundo da arte posiciona-se a favor do rendimento básico universal e incondicional, colocando em primeiro plano as suas condições vantajosas em termos económicos, sociais e ecológicos”. episódio falamos sobre arte e ativismo, a arte como caminho para cenários políticos alternativos, bem como temas como o conhecimento comum como intersecção entre arte, pedagogia e ativismo para uma transição para o pós-capitalismo.

Temas em discussão: “commoning”, arte e ativismo, projetos colaborativos, coletivos de arte, espaços ocupados

> EM INGLÊS <

Para esta CONVERSA #5, Alexia Alexandropoulou (GR) do mais uno +1 convidou Pedro Lagoa (PT) e Sean Negus (US) a falar sobre a prática de artes de arquivo. Nesta conversa ambos partilharam aspetos das suas práticas individuais transdisciplinares que envolvem o Arquivo. Como parte das suas respetivas pesquisas criativas, cada formula novas considerações sobre os arquivos, trazendo radicais novos significados às práticas artísticas contemporâneas. Durante esta conversa, Pedro e Sean explicaram de que modo o Arquivo informa as suas práticas artísticas.

Temas em discussão: arquivos, práticas transdisciplinares, arte contemporânea.

> EM INGLÊS <

Para a CONVERSA #4, Lígia Fernandes (PT) e Inês Nêves (PT) do mais uno +1 reuniram-se com Chiara Sgaramella (IT), uma artista, investigadora, educadora, cujo trabalho explora a interseção entre arte, problemas eco-sociais e práticas colaborativas. Aqui ouvimos sobre os projetos da Chiara, desenvolvidos essencialmente ao longo de vários territórios em Espanha através do Colectivo Viridian, o seu mais recente projeto Agroversitat, assim como as principais conclusões da sua investigação.

Temas em discussão: arte eco-social, práticas colaborativas, pedagogia

Na CONVERSA #3, Manu Ribeiro (BR) — pelo mais uno +1 — convida Fábio Delduque (BR), artista plástico, cenógrafo, produtor cultural e um dos principais fundadores do projeto Arte Serrinha, que realiza e fomenta há mais de 20 anos um conjunto de iniciativas em arte e educação que envolvem livre criação, pesquisa e experimentação, difusão de conteúdos e oferta de experiências que priorizam as relações humanas e a reflexão. É espaço de produção e experimentação artística, de encontros e trocas entre pessoas e a natureza. É também um conceito, um movimento e uma comunidade que compartilha sonhos.

Temas em discussão: arte-natureza, arte-educação, espaços-projeto, festival de arte, curadoria, projetos geridos por artistas.

> EM INGLÊS <

A CONVERSA #2 falou sobre o Vent Space Project: o espaço-projeto gerido por estudantes da Academia de Artes da Estónia (EKA). Todos os anos, a equipa organizadora do Vent Space muda, e com ela transforma-se o programa curatorial e a sua estrutura operacional. Visando explorar como as pessoas podem mudar a identidade de um espaço, convidámos a Hanna-Liisa Lavonen (EE) — membro da primeira equipa fundadora do Vent Space (2018-2019) — e Brit Kikas (EE) — integrante da atual equipa (2022-2023) — para uma retrospetiva coletiva com Inês Nêves (PT) — membro da segunda equipa (2019-2020) e do mais uno +1 — sobre o que tem sido e significado este espaço para a sua comunidade local, e especular o seu futuro e enquadramento global.

Temas em discussão: projetos geridos por artistas, espaços-projeto, galerias de estudantes.

A CONVERSA #1 abordou a UNIDEE, um programa de educação independente e residências artísticas dedicado à arte e à mudança social, desde 1999. Decorrente da participação da Lígia Fernandes (PT) e da Nicole Sánchez (PT) — membros do mais uno +1 — no programa, conversámos sobre as suas experiências e aprendizagens.

Temas em discussão: Arte e Sociedade, Práticas Situadas, Arte socialmente implicada.

Vitrine

Over 6 weeks we developed different installations in an empty shop at Picoas Metrostation. The shop was used in the spring for different artistic projects and opened the doors to the public and passerbys. Due to the uncertainty of a prolonged contract Maisuno+1 collective decided to close the space for the public. But still using the space as a site for creative exploration and ephemeral displays.

— duração do projeto
30.07.2024 - 13.09.2024

— curadores
Aino Garcia Vainio | Joyce Ward | Sophia Niederkofler

This vitrine sees displayed a series of half-objects or broken entities that stand individually in the room but also, depending on the stand point of the observer, in relation with one another. On the right side of the vitrine hangs an anthropomorphic carton-marionette figure, partly covered by shiny black matter, which stands in contrast with the white metro ghost almost at the same hight on the left side. Moreover groups of objects stand in the room, with broken skateboards with a piece of street, oddly positioned broken vintage children’s toys, destroyed floppy discs and a light play hanging, made with a collage of the inside of the floppy discs (by Aino Garcia Vainio). On the back right corner there is the Afromerica globe by MoMO gallery that interacts with the background shaped by irregular stripes (by Joyce Ward and Sophia Nieder…). On the one hand a long black shiny stripe that makes a whole round in the room, and on the other hand with segments of colourful wrap paper, partly featuring Popota. On the “display surface” three objects lay equidistant from each other: a vase with brushed made by Clem, a head of a dog with a blonde wig and a muffin.

This vitrine aims at challenging the perception transmitted by a showcase in the context of both the “museum effect” as well as the consumption culture. The physical distance imposed by the materiality of the glas transmits the conception of being showed something valuable. The observer is challenged by the habit of perceiving something precious when actually confronted with half-objects, broken entities and chaos. Moreover the isolation of an object while reinforcing its value also pushes the observer to admire its aesthetic quality. In this context, when watching the #1 vitrine, while objects can be standing as individual groups, depending on the stand point, they will always also stand in relation to one or more groups of objects. This way not only it is impossible to admire singular objects or groups as isolated entities, but the crossing of them is out of the control of the observer. This vitrine is placed in a metro station: people watch it by walking. There is therefore an almost instant new constellation of the display by every step the observer takes, while going where they are headed. Both of these distorted perceptions culminate on the “display surface” where the observer is challenged by non-valuable, silly and senseless self-standing objects.

The framework for this project was both a challenge and a guiding principle: to create engaging installations with no additional costs, minimal waste, and maximum ingenuity. Each week, we developed a new idea collaboratively, coming together on the day to brainstorm and transform the “vitrine” with different installations. The vitrine, traditionally associated with the presentation of valuable or fragile objects in museums and retail environments, has long been a symbol of preservation and curation. In its essence, the vitrine frames objects within a transparent barrier, creating a space where viewers engage with what is displayed while remaining physically separate. This separation invites contemplation, imbuing everyday or found objects with an aura of significance. By isolating items in a controlled environment, the vitrine recontextualizes them, transforming the mundane into the extraordinary.

For the installations and displays we utilized materials from our storage, objects found on the streets, and items lent to us by friends, we prioritized sustainability and emphasized the reuse of discarded or forgotten materials. Our process was inherently collaborative, relying on the synergy of collective effort and hands-on experimentation. The result was a series of dynamic, ever-changing installations that evolved weekly. By stepping away from traditional exhibition models, we aimed to reimagine the role of a space in transition and the transformative potential of shared creativity.

Here you can have a look at the 5 different topics and see photos and read the artistic statements:

#1 DISPLAY SURFACE

This vitrine displays a series of half-objects or broken entities that stand individually in the room but also, depending on the standpoint of the observer, in relation with one another. On the right side of the vitrine hangs an anthropomorphic cartoon-marionette figure, partly covered by shiny black matter, which stands in contrast with the white metro ghost almost at the same height on the left side. Moreover groups of objects stand in the room, with broken skateboards with a piece of street, oddly positioned broken vintage children’s toys, destroyed floppy discs and a light play hanging, made with a collage of the inside of the floppy discs (by Aino Garcia Vainio). On the back right corner there is the Afromerica globe by MoMO gallery that interacts with the background shaped by irregular stripes (by Joyce Ward and Sophia Niederkofler). On the one hand a long black shiny stripe that makes a whole round in the room, and on the other hand with segments of colourful wrap paper, partly featuring Popota. On the “display surface” three objects lay equidistant from each other: a vase with brushes made by Clem, a head of a dog with a blonde wig and a muffin.

This vitrine aims at challenging the perception transmitted by a showcase in the context of both the “museum effect” as well as the consumption culture. The physical distance imposed by the materiality of the glass transmits the conception of being shown something valuable. The observer is challenged by the habit of perceiving something precious when actually confronted with half-objects, broken entities and chaos. Moreover the isolation of an object while reinforcing its value also pushes the observer to admire its aesthetic quality. In this context, when watching the #1 vitrine, while objects can be standing as individual groups, depending on the standpoint, they will always also stand in relation to one or more groups of objects. This way not only is it impossible to admire singular objects or groups as isolated entities, but the crossing of them is out of the control of the observer. This vitrine is placed in a metro station: people watch it by walking. There is therefore an almost instant new constellation of the display by every step the observer takes, while going where they are headed. Both of these distorted perceptions culminate on the “display surface” where the observer is challenged by non-valuable, silly and senseless self-standing objects.

Artists: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio, MoMO Gallery, Clem
Curators: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Text: Aino Garcia Vainio

#2 SHADOW BORDERS

The #2 vitrine sees a spatial dialogue between shadows, floating entities and a long closed line on the floor, all of these entities being white. Perhaps the first element the viewer is confronted with, are the shadows of hands projected on a white background on the wall. Indeed, in order to see the rest of the composition, it is necessary to come closer to the vitrine, since the floating bubbles that look almost like clouds and the border-line are (almost) laying on the ground.

This vitrine aims at confronting the notions of reality, realism and borders. The shadows of the hands on the wall are projections of objects defined by a distorted shape. They are not the object itself while at the same time the glass surfaces dividing the space into an inside and an outside denies the viewer the access to know the reality behind the shadows. They are therefore indexes of a truth that could be, that is represented, but they are not the truth. As the vitrine starts with the representation of a possible reality made by indexes it brings the viewer to a state of perception of a possible reality that questions the reality itself, triggering their instinct of understanding the sight in a realistic way, therefore connecting the index to a known reality. This is highlighted by the central and sharpest shape: an index pointing down, or better an index of an index pointing down. The border-line on the ground also bears in this concept of an index to a constructed space defining one more time an inside and an outside. The index on the wall points down to this geometrical line that resembles something like the lines on sports camps, suggesting that this border-line is also just an index to an idea that has nevertheless found a materiality on the ground, in contrast to the shadows. This line is made of flour which, apart from being a very cheap source of nutrition, is also vulnerable to change by the wind, someone stepping on it or just a brush. Hide behind a vitrine however, it is protected by all of these changes. Lastly these concepts of reality, realism, border and untouchability of them is emphasised by the clouds or, as they originally were thought, pieces of the earth floating around, suggesting that the earth is immune to the borders, who claim to define it.

Artists: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Curators: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Text: Aino Garcia Vainio

#3 SCREAM ROOM

The "Scream Room" is a conceptual installation which locks screams as human emotions in a glass vitrine inside Picoas Metrostation. In the first phase of the project we invite passerbys, and others to think about a scream as an explosion of emotions in a raw form, which is often suppressed in society. We are looking for screams of fear, happiness, anger, stress-ventil, …

When was the last time you screamed at the top of your lungs?

Upon first approach, the installation appears as an unassuming site of construction, the room obscured by an black wrapping. From the metro stop, it mimics the ongoing urban metamorphoses surrounding it. But as soon as you ascend the stairs in front of its window something different happens. Here, the illusion ruptures: a shattered mirror reveals fragmented reflections of the passerby. One hole in the mirror is precisely aligned with where your face might appear.

You look inside and a large typographic declaration—Scream Room—anchors the opposite wall, its letters looming over shards of mirror scattered across the floor. The space is both disorienting and clarifying. The black wrap itself defies expectations; with light, it transforms from opaque to translucent, dissolving the boundary between the viewer and the hidden world within.

The interplay of mirror and black surfaces reflects not only the external environment but also the viewer's own form, transposing the flatness of reflection into a multidimensional invitation. The hole in the mirror, perfectly calibrated to frame your face, situates the participant at the center of a transformative moment. Beyond it lies a visual and acoustic escape: a space for the unfiltered release of a scream.

As a continuation of this concept and to the until now silent scream a shape we invited passersby and friends to send us voice messages with screams of different everyday emotions.

All the collected SCREAM-recordings will be part of an evolving auditory collage of the #5 vitrine. Each scream, representing a unique expression of the human condition, contributes to a collective soundscape.

In the second phase installation challenges societal norms around emotional restraint, offering a cathartic release and a powerful reminder of our shared humanity. It transforms personal pain into communal art, allowing visitors to experience the transformative power of expressing and sharing their most intense emotions.

Artists: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio, MoMO Gallery, Clem
Curators: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Text: Sophia Niederkofler

#4 SURFACE ORDER

In this vitrine there are three quite isolated elements standing on three layers. The first layer is a black wrap on the glass that has been ripped in order to give the impression of a broken mirror that opens the door to a distorted reality. On the second layer there is a self standing installation constructed by random real or reality-resembling objects that develop vertically, from the roots to the top. On the wall in the background there is a writing “SURFACE ORDER”, an art statement by MoMO Gallery.

Surface Order, two words that together do not have a given meaning, standing alone and coupled play with the perception of the viewer. Influenced by the personal experience as well as from the installation standing in front of it, the viewer will perceive the association of these words in a personal unique way. The order is also challenged by the installation in the middle of the room. The vertical assemblage of random half-real objects chaotically put together to achieve a form looks like it is growing by itself, almost as if it was immune to artificial imagination. Lastly, the surface of the vitrine is reigned by a strong black outline, most of it being covered by a leather-resembling material. The setting looks like a broken mirror, which apart from being eye-catchy, is both threatening and gives hope at the same time, being a portal to an immaculate word or representing a surface order.

Artists: Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Curators: Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Text: Aino Garcia Vainio

#5 SCREAM-SCAPE

Building upon the concept of the #3 Scream Room installation, this continuation transforms the vitrine into an archive and embodiment of human emotions. In the aftermath of the initial call for screams 22 screams were collected. Each of them is an auditory imprint of a distinct emotional state in different situations. From stress to joy, fear to amusement, these screams compose a raw, vocal landscape of emotions, reflecting the breadth of human experience through the unfiltered act of release.

At the heart of the installation lies the Box of Origin, a container both literal and symbolic. It houses the collection of screams and serves as a reminder of their shared humanity: an assemblage of singular expressions, yet universally resonant. This central object offers visitors a contemplative point of focus amidst the fragmented chaos of strings coming out of the inside of the box. Each black string is attached to one starting point of a contour line forming a landscape on the glass.These threads create a visual dialogue between human emotion and the natural world, forging a poetic connection between the inner landscapes of feeling and the physical terrain of the earth. It is a catalyst for an exploration of one's own emotional topography.

Artists: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Curators: Joyce Ward, Sophia Niederkofler, Aino Garcia Vainio
Text: Sophia Niederkofler